Canto luctuoso como brindis a la tos
por la inminente despedida:
mutilación o muerte en segmentos,
doloroso fin de las miradas
anulación y olvido de cualquier invento (…) […]
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México y su cine 1930-1950
Cuando hablamos de México, no podemos obviar la preponderancia que tuvo la Revolución Mexicana en la década del 10, la cual detona por la insatisfacción de un pueblo ante la dictadura de Porfirio Díaz, quien sometió al país entero a una política elitista y oligárquica que había favorecido únicamente terratenientes y grandes capitalistas industriales, presentándose una repartición de tierras de forma desigual, y donde los peones y obreros terminaban siendo víctimas de una situación laboral esclavista. Cabe anotar que la mayor parte de la población era indígena y este sometimiento los mantenía en una situación marginal, que durante algún tiempo cambió pero hoy en día, poco ha mejorado. A partir de de los años 30 los gobiernos buscaban recomponer la estructura social política del país. En 1934 sube a la presidencia Cárdenas, perteneciente al Partido Revolucionario. Cárdenas tenía como objetivo desarrollar un sentimiento Nacionalista. Promovió una Reforma Agraria con repartición de tierras igualitaria y un crecimiento e industrialización importante de las ciudades; reorganizó el Partido de la Revolución Mexicana que se estructuró en 4 secciones: obrera, campesina, popular, militar; se llevo a cabo la nacionalización de las propiedades de las compañías petroleras extranjeras para crear la Empresa Nacional de Petróleos Mexicanos; impulso la educación rural y creo el departamento de asunto indígenas. Cárdenas además propuso e instauró una mejora importante para la industria cinematografía: se crearon políticas que favorecieron la su producción y exhibición; para la época existían ya 320 salasde cine para una población nacional que rondaba de los 16 millones de habitantes. Se creó en esos años el primer Cine-Club Mexicano, filial de la Film-Society de Londres y de la Ligue de Cine-Clubes de París. Se inauguraron los Estudios México Films de Jorge Stahl. En 1935, con el apoyo del gobierno se fundan los Estudios Cinematográficos Latinoamérica y el Departamento de Supervisión de Cinematografía que exijía a los exhibidores programar al menos una película mexicana al mes. Los trabajadores cinematográficos tuvieron la oportunidad de fundar la Unión de Trabajadores de los Estudios Cinematográficos de México (UTECM), un Sindicato que haría valer su trabajo. La primera película con sonido óptico que aparece se va a llamar “Más fuerte que el deber” de Rafael Juan de Sevilla. Para 1930 llega a México Serguei Eisenstein para filmar parte de la película «¡Que viva México!», tratando temas de la historia y cultura Mexicana que marcarían prototipos y maneras de encarar los paisajes, el folklore, los rostros, la gente mexicana. Llega también el fotógrafo Paul Strand, precursor de la «fotografía pura», proveniente de la República Checa (de descendencia Inmigrante de Bohemia) y miembro de la estadounidense New Camera Club. Stand aporta una construcción o mirada estética «directa», denominada así a todo un movimiento artístico que buscó reivindicar a la Fotografía como arte sin intervención en las escenas. Su objetivo en el colorido país era retratar el nacionalismo Mexicano a través de sus paisajes, cultura, gente… Paul Strand estaba comprometido con la educación rural y consideraba que el cine sería una herramienta importante para su aporte. Colaboró con el méxicano Gomez Muriel en el film “Redes”, cuyo tema era la lucha de los pescadores de Veracruz contra la explotación, la cual analizaré más adelante en este texto si sigues leyendo. Sus influencias reformistas sociales provienen de los altos pensadores y artistas revolucionarios como: Friedrich Froebel, Félix Adler, Lewis Hine, Alfred Stieglitz, Paul Cezanne, Picasso o Nietzsche. Su formación dio lugar a que Stand desarrollara además una forma de conjugar e integrar la moral, el clasicismo y el modernismo a la vez; es decir lo nuevo y lo viejo; lo concreto y lo abstracto en una idea concientizadora que estimulara en artistas y espectadores el análisis de la realidad y la imaginación a través de la observación. Otro de los directores importantes que llega para la época es Antonio Moreno de origen español con el film «Santa» en el que se tocó el tema de la marginalidad. Con este film se dio inicio a uno de los géneros importantes del cine Mexicano: melodrama de prostituta, creando un estereotipo acerca de la mujer en situación de vulnerabilidad por sus condiciones económicas y sociales: representado por personajes de mujeres maltratadas y abandonadas. Entre las primeras películas que experimentan con el sonoro esta «La Mujer del Puerto» de Arcady Boytler. Un film en el que se trabajó con actores profesionales, actuaciones melodramáticas y personajes estereotipados como el de la mujer fatal. En esta misma época aparece el cine histórico que se establece con Miguel Contreras y su película: “Juarez y Maximiliano” En 1934, el cine mexicano empieza a producir un aproximado de 20 películas al año. Directores como Fernando de Fuentes maravillan con una trilogía cuyos temas se centraban en la revolución mexicana: «El Prisionero Trece», «El compadre Mendoza» y «Vámonos con Pancho Villa«. Pero el film que tuvo mayor éxito en taquilla y posicionó al cine mexicano en uno de los mejores de la historia latinoamericana es “Allá en el Rancho Grande”. Con esta película surgen los esteriotipos reconocidos a nivel mundial del charro cantante y la virilidad mexicana, recurriendo a la cultura popular, la canción ranchera, lo que va a posicionar un género musical destacado para la el cine nacional mexicano. Otro de los géneros no menos importantes fue el cine Policial con temas de la revolución, del folklore y por supuesto el Melodrama, una exageración adaptada y exagerada del Drama Europeo y Estadounidense y que ha dado característica al resto de la producción mexicana y latinoamericana en los audiovisuales televisivos más contemporáneos (como ocurrió en Brasil con «la chanchada» un género también muy exagerado donde se junta casi todo lo habido en el cine y su contexto). Continuando con el Señor Cárdenas, hay que mencionar que destinó dinero para los productores privados, quienes invirtieron en un cine cuyas temáticas habían demostrado éxito rotundo como: Charros cantantes, madres sufridas, comedias y musicales.Acá aparece por primera vez el excelentísimo, inigualable, admirado y muy querido Mario Moreno Cantinflas con su primera película en 1937, quien muere más o menos un mes después de […]
Checoslovaquia, un vistazo a sus fantásticos inmortales
Checoslovaquia fue un país que existió como tal entre 1918 hasta 1992. Durante la Segunda Guerra Mundial perteneció a Alemania, y en 1993 se decidió restaurar la que en 1918 se había fundado como Estado del Imperio Austrohúngaro, decantando en la división de dos países: República Checa y Eslovaquia, que hoy forman parte de la Unión Europea. Esta resolución se dio de manera pacífica, a diferencia de lo ocurrido en Yugoslavia que desembocó en guerras. Después de la segunda Guerra Mundial, se revolucionó toda la industria cinematográfica, dando como resultado, la Estatización de la producción, la apertura de la Academia de Bellas Artes y de la Facultad de Cine y en 1946, el nacimiento del Festival Internacional de Cine de Karlovy Varyde, el más importante del país. Pero, llegando 1948, la República Checoslovaca se vio afectada por la censura que el poder del Partido Comunista instauró y que apoyaría únicamente a la dramaturgia oficial y al realismo social, así como a los films de propaganda. Quizás la película con mayor éxito en la historia del cine checoslovaco sea “La Princesa orgullosa”, de. Borijov Zeman, que fue la adaptación de un cuento popular checo, en 1952, donde se describe la vida lujosa y los caprichos de una joven princesa, que algunos críticos interpretaron como una crítica a la falta de libertad de la época. Además, se observó una gran cantidad de películas de dibujos animados, como las de Karel Zeman, uno de los más grandes animadores de la historia, junto con Jiří Trnka, un ilustrador, escenógrafo que también hacía cine con marionetas. Zeman comenzó su carrera luego de realizar sus estudios en Francia y de haber trabajado en Publicidad. Un día Elmar Klos se interesó en su creatividad y lo llevó a trabajar en su Estudio. En aquellos años, Zeman tuvo el agrado de conocer a Hermína Týrlová, quien recientemente había realizado el cortometraje «Ferda mravenec» (La Hormiga Fernando) en 1942 (un cuento muy famoso en Checoslovaquia escrito pr Ondřej Sekora). Los dos grandes cineastas juntaron entonces su talento y llevaron a cabo «Vánoční sen» (El Sueño de Navidad). Una fantástica y tierna obra de arte, con trucos visuales y juguetes animados que deja un lindo mensaje: darle valor a todos los juguetes por igual, sin desplazar a los más antiguos y artesanales. Con este film, Zeman se hizo muy querido y conocido; recibió su primer premio en Cannes como mejor film de animación y comenzó a producir sin parar series animadas y películas basadas en la maravillosa obra de Julio Verne. https://www.youtube.com/watch?v=-LTkNc4CRdw Les dejo un film completo animado por este gran ser, aunque no está en español pero cabe destacar que Praga dedicó un museo especial en su nombre y con su obra, cerca del Puente de Carlos. Quizás las más significativas sean: “El Viaje a la Prehistoria” o “Ante la Bandera”, basada en la genialidad de Verne y premiada en la Expo de Bruselas de 1958. Pasando a otros grandes del cine Checoslovaco, tenemos a Alfred Radok, director de cine y teatro, que a finales de los cincuenta, lleva a cabo un proyecto llamado «Linterna Mágica», cuyas funciones combinan de manera poética el teatro, el cine y el baile. También fue estrenado en la Expo de 1958, donde cimentó su fama con una medalla de oro. En la década del sesenta, las relaciones políticas se distendieron, permitiendo que surja una de las corrientes más fructíferas del cine checo, Llamado La Nueva Ola, por referencia al movimiento francés, este movimiento, formó parte también de los “nuevos cines”, y trajo como resultado la atención de la crítica y el público internacional. La Nueva Ola agrupó a cineastas que querían hacer un cine más personal y al margen de las estructuras burocráticas. Sus films se caracterizan por ser contestatarios al sistema establecido, así como por poseer un cierto escepticismo ideológico y antropológico con tratamientos muy irónicos de los temas. Al igual que en el resto del mundo, se hacen películas que abordan la vida cotidiana, los conflictos generacionales, la temática juvenil y la moral personal frente a las convenciones sociales. -UN DÍA, UN GATO, de Vojtech Jasný (Checoslovaquia,1963) Este film marcó quizás un punto de partida a través de sus innovaciones técnicas y estructurales, por cuanto hace uso de efectos especiales, iluminación simbólica y teatral (al menos en la escena del acto de magia) y una experimentación con el color, así como un argumento crítico de la sociedad pero siguiendo la estructura metafórica. Esta película de Jasný pertenece al género de comedia fantástica cuyos efectos especiales juegan un papel importante, donde los personajes observados por el gato se transforman a un color específico que evidencian sus verdaderas intenciones. Los mentirosos e inescrupulosos se tornan violeta; los adúlteros, amarillos; los ladrones, grises, y los enamorados, de color rojo. Observemos el fragmento-escena que da inicio con una trapecista vestida de rojo (que ha surgido a partir de un pétalo de rosa) en un show de magia, donde su mago le envía un gato rodando sobre una esfera. Este gato tiene lentes oscuros para proteger a los espectadores de su extraño don que es el de exponer las verdades sobre quienes son vistos por éste. En un instante, la trapecista le quita los lentes, y los espectadores comienzan a colorearse y bailar en grupos según sus colores. Se uso de transparencias y transposiciones de planos, con un montaje acelerado que va al ritmo de la música. En esta escena se hace uso mayormente de planos generales, para mostrar a los personajes en conjunto y destacar las diferencias de colores. El resto de las personas intentan huir de la mirada del felino. El uso de un animal le da un carácter de fábula a este film, donde la moraleja intenta develar la realidad de las personas, apuntando a reflexionar sobre la vida críticamente. -LAS MARGARITAS, de Vera Chytilova (Checoslovaquia,1966) Vera Chyntilova se adentra a la Nueva Ola con uno de los más experimentales de este movimiento, donde dos anárquicas muchachas, interpretadas por las actrices Ivana Karbanová […]
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Vanguardias: El Cine Abstracto de Eggeling y Richter
El arte abstracto nace con la intención de convertirse en un elemento de total expresividad del signo a través de la evocación de emociones puras y naturales así como de las ideas, lejos de la contaminación de la realidad social, cultural y nacional. […]
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Vanguardias y el cine: Dadaísmo
Subversivo e irreverente, el DADAÍSMO, más que cualquier otro movimiento, ha sacudido a la sociedad las nociones de arte y la producción cultural. Ferozmente anti-autoritario y anti-jerárquico, Dada cuestionó el mito de la originalidad del artista como genio, dando a entender que todo el mundo debería ser un artista y que casi cualquier cosa puede ser arte. […]
Vanguardias y el cine: Surrealismo
Otro movimiento de vanguardia fue el SURREALISMO se originó en la década de 1910 y los años 20 tempranos como un movimiento literario que experimentó con un nuevo modo de expresión llamada escritura automática, o automatismo, que pretendía liberar la imaginación desenfrenada del subconsciente. Oficialmente consagrado en París en 1924 con la publicación del Manifiesto del Surrealismo por el poeta y crítico André Breton (1896-1966), el surrealismo se convirtió en un movimiento intelectual y político internacional. Breton, un psiquiatra entrenado, junto con el francés Louis Aragon, Paul Éluard y Philippe Soupault fueron influenciados por las teorías psicológicas y estudios sobre sueños de Sigmund Freud y las ideas políticas de Karl Marx . El uso de métodos freudianos de la asociación libre, su poesía y su prosa se basó en el mundo privado de la mente, tradicionalmente restringida por la razón y las limitaciones de la sociedad, para producir imágenes sorprendente, inesperado. Los principios cerebrales e irracional del surrealismo encontrar su ascendencia en el desprecio inteligente y caprichoso de la tradición fomentada por el dadaísmo una década antes. Poetas surrealistas no querían asociarse con artistas visuales, porque creían que los procesos laboriosos de la pintura, el dibujo y la escultura estaban en desacuerdo con la espontaneidad de la expresión desinhibida. Sin embargo, Breton y sus seguidores fueron los primeros en entablar un vínculo. 😍Se destacaron por promover el respeto hacia Giorgio de Chirico, Pablo Picasso, Francis y Marcel Duchamp, debido a la provocación analítica, y erótica de sus obra. Los artistas precursores de esta corriente fueron Ernst, (un ex dadaísta, que comenzó a experimentar con dos procesos impredecibles llamados calcomanía y grattage). André Masson, Joan Miró, Man Ray y Salvador Dalí quien se vería entusiasmado por incorporar la técnica hasta perfeccionarla y mezclarla con ilusionismo; ambicioso, llegaría al cine de la mano de Buñuel. Sus creaciones son eróticamente cargadas, 😲amplió en las imágenes de sueño de Magritte con sus ideas retorcidas y visiones alucinatorias, haciendo uso en otras obras de símbolos freudianos. Quizás una de las mayores diferencias entre estos dos movimientos (además de la evidente evolución tecnológica de la que echaron mano) es que en el Surrealismo, el cine sí haría uso, algunas veces de la narratología. Se siente que cuentan historias (por lo que hace uso de personas, lugares y objetos reconocibles y por lo que la imagen por sí sola, mientras sea rápidamente codificada por el espectador, es sugerente). Es posible que el espectador intente darle un significado a ellas o a la unión de todas ellas, mientras que en el Dadaísmo, al ser figuras geométricas, u objetos dispuestos sin sentido, juega más con la la composición dentro del cuadro, la luz y la sombra. Estas solo se aprecian más como figuras que no cuentan nada. Aunque en el Surrealismo, cualquier historia viene a ser absurda y sin principio ni final, siendo más bien parecidas a los sueños. – EL BALLET MECÁNICO se trata de un film que en su época causó gran controversia, por no ser de las cotizadas películas de acción. A pesar de su éxito en parís, al llegar a Nueva York, Antheil sintió que su carrera estaba en grave estado. Es una muy rítmica, a menudo brutalista pieza que combina, entre otros elementos, los sonidos de la era industrial, la música atonal y jazz. Me centro en el fragmento en el que se observa un exterior, planos de objetos varios, una mujer en un columpio, objetos modernos, una boca sonriente, la misma mujer al revés, objetos circulares, esféricos aparentemente vistos a través de un prisma, luego formas geométricas, ojos al revés y al derecho, un hombre y otra serie de objetos vistos en prisma y así sucesivamente, objetos «sueltos» que al parecer no interactúan entre ellos, y los cuales podrían cobrar un sin fin de sentidos en el espectador, pero quizás, cada uno por separado. – UN PERRO ANDALUZ Una película en la que Buñuel aprovechó el talento de Dalí para mezclar sus fuerzas creativas y transformarlas en esta obra a partir de dos sueños: el primero de Buñuel (con la escena del ojo y la hoja de afeitar) y el segundo de Dalí (las imágenes sexuales e incluso las hormigas, que para Freud significan el deseo sexual). A partir de ambos, se cuenta alegóricamente los altibajos en las historias de amor de una joven pareja. Aún cuando Buñuel repetidas veces se quejara de que la gente intentara darle un significado a su película, e insistiera que no fue hecha con la intención de contar algo, es notorio el vínculo con el psicoanálisis y las historias particulares de cada uno de los autores. Dalí, Buñuel y Lorca formaron una relación de amistad bastante tormentosa. Se dice que el título nació con la intención de atacar a García Lorca, puesto que el poeta generó rencor hacia Dalí con su enamoramiento. 😕😞Esto se hace aún más evidente en la escena en que un andrógino es atropellado en la calle con gran alborozo del protagonista que mira desde la ventana, quien luego se siente liberado y se dispone a forzar a su pareja. Evidentemente, Buñuel negó cualquier acusación contra poeta andaluz. A continuación la protagonista se defiende del deseo de su galán tomando una raqueta con forma de cruz de la pared y amenazando con golpearlo. Esta cruz simboliza obviamente a la moral católica. Al protagonista le resulta imposible vencerla pues debe cargar con todo el peso de la cultura occidental (los pianos, loscuras, los burros putrefactos) que ha sido siempre enemiga del cuerpo. Finalmente logra escapar y aparece repentinamente en una playa donde encuentra a un apuesto bañista, que en lugar de enseñarle hormigas en el hueco de la mano le enseña un reloj. Ella olvida pronto a su anterior amor y elige antes la seguridad económica que la pasión. Este episodio, además de tener un cierto aire misógino, puede leerse como una crítica de Buñuel al matrimonio burgués, consecuencias en el plano final de la película. La escena final está inspirada en el Ángelus de Millet. Dalí describe esta obra de Millet de un modo curioso: “el personaje femenino representaba la postura expectante y preliminar de la hembra de la […]